Aportar técnicas del siglo XVI a la cultura contemporánea

Por Equipo Citā Noviembre 24, 2020

La graduada en cerámica artística Ana Fernández Pecci, y los graduados en cerámica industrial Juan Carlos Albarrán y Ramón González Colilla pidieron un crédito de 5 millones de pesetas para comprar hornos, prensas hidráulicas y tornos, y poner en marcha un proyecto que más de 25 años después, los terminaría colocando como auténticos referentes de la artesanía cerámica española. 

Curiosamente, no fue la idea de crear un estudio artesanal lo que les unió en primer lugar. Al principio, los tres graduados se comprometieron con la idea de recuperar el último alfar que quedaba en Talavera de la Reina. Un proyecto que incluía formación, recuperación de piezas de alfarería, desarrollo de nuevas formas y acabados, sala de exposiciones, producción de cerámica tradicional de Talavera, etcétera. El proyecto nunca se consiguió realizar por falta de implicación de las instituciones de la época. El alfar lo tiraron. Pero la tradición de la cerámica talaverana de calidad tenía que seguir vigente.

¿Cómo recuerdas aquellos inicios?

Buscamos un local pequeño de alquiler, en el que seguimos 28 años después, y nos establecimos montando una comunidad de bienes. Por entonces los intereses estaban muy altos, los meses corrían rápido, el alquiler, los autónomos, la electricidad. Estuvimos bastantes años sin cobrar nada, pero no nos rendíamos.

Al principio realizábamos moldes y piezas en barro para otros talleres. Buscamos nuevas formas de producir y vimos la demanda que había de cerámica tradicional de calidad, ya que los alfares de la ciudad habían apostado por una producción dedicada al souvenir.

Taller. Técnicas

Entonces, ¿cuál fue la innovación que trajo el Centro Cerámica Talavera a la producción cerámica artesanal que se venía haciendo en la región?

Contratamos pintores de cerámica de Talavera (es una técnica difícil que se aprende con los años de oficio…), estudiamos las series tradicionales, empezamos a coleccionar piezas antiguas, visitar museos y empaparnos de toda nuestra historia. Desde ahí, nos dedicamos a rediseñar las piezas clásicas, incorporando modelos nuevos y actualizados, como vajillas, candelabros, objetos de escritorio y fragmentos de azulejería.

Desde entonces no hemos parado de incorporar piezas nuevas, utilizar decoraciones más contemporáneas y adaptarnos a nuevos canales de comunicación, como las redes sociales.

¿Y todo cambió a mejor?

Hemos tenido altibajos. Curvas pronunciadas en las dos direcciones. Aunque hay tres momentos claves. La primera fue en 2007. En nuestro 15 aniversario realizamos una exposición demasiado pretenciosa en cuanto a costes económicos, esfuerzo físico y estrés, que acabó con una importante enfermedad de uno de nosotros. Pero fue el comienzo de un cambio en nuestra producción, ya que contamos con diseñadores, artistas y gráficos que aportaron en esta exposición, su visión de la cerámica tradicional y digamos que arrancamos una nueva etapa.

La crisis de 2008 a nosotros nos llegó de lleno hacia 2012. Estuvimos a punto de cerrar. Empezamos a producir a media jornada y restringir gastos, pero no veíamos luz. Finalmente con deudas importantes, y mucho coraje, empezamos a salir a flote en 2014.

Y el tercer momento clave fue 2017. Con motivo de nuestro 25 aniversario, realizamos una exposición en el Museo Cerralbo de Madrid. Aparte de la importancia del espacio y lo interesante del concepto expositivo, nos dio una visibilidad en medios a los que nunca hubiéramos llegado y que todavía está teniendo su repercusión.

«Nuestro trabajo es absolutamente artesano en el sentido de manualidad, exclusividad, sin tiempos de producción y la realización de las piezas con todo el cariño y mimo.»

Volvamos a 2007. En aquel momento apostaron por trabajar en colaboración con otros artistas y diseñadores. ¿Cómo fue la experiencia?

Siempre hemos estado abiertos a colaborar con diseñadores y artistas. Desde nuestros primeros proyectos contamos con la colaboración de José Luis Espinosa (profesor de diseño en diferentes escuelas del país) que aún hoy sigue diseñando todos nuestros proyectos de azulejería. Con el artista José María Pérez de Cossio hicimos una colección de platos sobre temas taurinos, en 1999. En el año 2000 realizamos un interesante proyecto de vajillas con Vicente Vela (diseñador, pintor y creador del logo de Loewe).

Pero es a partir de 2008, cuando las colaboraciones con artistas han sido más frecuentes y fructíferas. A veces son proyectos puntuales como con Rubenimichi, Bakea, Ana Locking, Fernando Jiménez, Emo Díaz, Lucreativo, Escuela de Cebras, Mikamaroto, José Manuel Hortelano, Reliquiae o Pleid. Otras veces son producciones continuas como con Aitor Saraiba, Guille García-Hoz, Abe The Ape, La Galería Honos-Art, Díaz Faes, Dani Bunch, La Joyería Suárez, Jacinto de Manuel y Gregorio Guigorro.

También hay muchos proyectos fallidos, porque se desconoce la técnica y el resultado no es el previsto por el diseñador. 

1/8

Vanitas_01

2/8

Aitor Saraiba

3/8

Aitor Saraiba

4/8

5/8

Bodegón 01

6/8

Bodegón 02

7/8

Jarrones

8/8

Jarrones

¿Qué colaboración os gustaría hacer?

Nos gustaría trabajar en proyectos con algún arquitecto interesante, o realizar en cerámica iconos como el osito de Tous, por ejemplo.

Y, de las que ya hicisteis, ¿Hubo algún proyecto que os generase una especial satisfacción?

Uno de los proyectos que más nos gustó hacer fue una colección de corazones diseñados por Aitor Saraiba, para los escaparates en Milán de la marca SISLEY.

Además de las colaboraciones, ¿cuál ha sido vuestro proyecto preferido?

Nuestro producto estrella son las VANITAS. Unas calaveras a las que incorporamos diferentes series tradicionales que lanzamos en 2012 y que a día de hoy siguen siendo top.  

¿Qué define, por encima de todo, el trabajo artesano?

Nuestro trabajo es absolutamente artesano en el sentido de manualidad, exclusividad, sin tiempos de producción y la realización de las piezas con todo el cariño y mimo.

La técnica que utilizamos es la misma que en el s.xvi hizo famosa la cerámica de Talavera. Hemos adaptado los espacios, ahora son más cómodos e higiénicos. Contamos con modernas herramientas, hornos y tornos eléctricos, barros preparados, esmaltes sin componentes tóxicos, pero se sigue haciendo la pieza en barro manual por medio de moldes que también fabricamos, esmaltado por inmersión y  pintando a mano con pincel con la misma gama cromática de siempre. Estas técnicas se llaman sobrecubierta, mayólica, faenza o talavera.

Azulejos

Y, pensando en el futuro, las técnicas que usáis, ¿tienen futuro?

Nuestro taller siempre está abierto a enseñar el proceso a nuestros clientes y visitantes. No tenemos espacio para realizar talleres de aprendizaje, aunque sí hay prácticas que realizan los alumnos de las escuelas con las que tenemos convenio.

Entonces, ¿tiene futuro la cerámica de Talavera?

Lo que más nos gustaría es retomar el proyecto inicial y hacer una fundación que pudiera dar continuidad a la cerámica de Talavera. En estos 28 años hemos aprendido, que vivir de la artesanía es muy complicado, muchos costes y poco beneficio, que hay que ir día a día, y que igual estás arriba que abajo, pero es muy gratificante porque haces lo que te gusta y los elogios de la gente no tienen precio.